Dialog:

Und was haben Sie sonst noch für konkrete Konzepte?

Susanne Lewalter: Seit etwa anderthalb Jahren veranstalten wir den so genannten „Anderen Salon“, im früheren Café. Da finden zum Beispiel Comic-Lesungen statt, bei denen die Bilder auf die Leinwand projiziert werden, während die Comic-Zeichner*innen vorlesen. Wir veranstalten Lesungen mit Musik oder mit jungen Nachwuchsautor*innen. Das lockt ein jüngeres Publikum an. Gerade sehr gefragt sind interaktive Workshops zu Lebensthemen und Sinnfragen im Allgemeinen. Gerade nach der Pandemie, durch die Vereinzelung, haben sich viele Menschen mit solchen existenziellen Fragen beschäftigt: Wie möchte ich mein Leben gestalten? Es ist ein Bedürfnis vieler Menschen geworden, nicht nur passiv Kultur zu konsumieren, sondern in den Austausch zu kommen.

Gehen Sie mit Literaturformaten auch hinaus in die Stadt?

Susanne Lewalter: Wir kooperieren viel mit anderen Kultureinrichtungen und Buchhandlungen. Vor ein paar Jahren haben wir ein Lesezelt in einem Park aufgebaut für kleine Kinder und Familien, wo Schauspieler*innen gelesen haben.

Bei der Lit.Cologne in Köln gibt es nun die Pop.Lit. Da trafen sich viele, von denen ich gar nicht gedacht hätte, dass sie für Bücher überhaupt noch zugänglich wären, da sie Digital Natives sind. Aber es gibt nun einmal die Diagnose, wir können sie nicht von der Hand weisen, dass das Digitale das Schriftliche verdrängt. Eine riesige Gefahr für das Buch, oder sehe ich das zu kulturpessimistisch?

Susanne Lewalter: Ich denke, es gibt neue, spannende Phänomene rund um das Lesen. Bei der letzten Frankfurter Buchmesse war ich gleichzeitig fasziniert und leicht verstört. Ich war dort am ersten Publikumstag und sah meterlange Schlangen vor den Verlagsständen der Fantasy-Romane. Es gibt da ein neues Genre, New Adult Romance heißt es, das sind Liebesromane, die von jungen Leserinnen geradezu verschlungen werden und einen wahren Fankult mit sich bringen. Auf der Buchmesse werden riesige Bücherpakete samt Signierkarten gekauft. Also – das Buch lebt. Natürlich ist es auch eine Frage der Qualität. Aber Fakt ist: Es wird gelesen. Ich glaube, man darf nicht auf dem hohen Ross sitzen und denken: Das ist jetzt keine Hochkultur. Ich finde es zunächst einmal wichtig, überhaupt die Faszination fürs Lesen zu wecken.

Susanne Lewalter und Andreas Henning verabschieden sich, und Leo McFall, der neue Generalmusikdirektor, kommt vorbei. Viel Zeit hat der Dirigent aus Großbritannien nicht, denn sein Tag ist noch mit vielen anderen Begegnungen in der Stadt verplant.

Leo McFall, warum ist es auch heute immer noch sehr viel leichter, Menschen in eine berühmte Mozart Oper als in ein zeitgenössisches Werk von etwa Helmut Lachenmann einzuladen?

Leo McFall: Ich habe genau die gegenteilige Erfahrung gemacht.

Ernsthaft? Auch in Deutschland?

Leo McFall: Überall. Es ist natürlich ein Unterschied, ob wir über Zwölf- oder Achtzehnjährige sprechen. Aber die jungen Leute kann man für Opern wie „Jenůfa“ von Leoš Janáček begeistern. Die Darstellung der Charaktere ist so klar und ungefiltert, die Spannung zwischen ihnen ist direkt greifbar: Da kämpfen zwei mutige Frauen vor dem Hintergrund einer beengten ländlichen Gemeinschaft um ihr Glück. Jeder dieser Figuren könnte man auch leicht in der heutigen Gesellschaft begegnen. Das spricht alle Menschen an, und vielleicht ganz besonders Jugendliche.

Und im Konzert? Dort muss man ohne Geschichten begeistern.

Leo McFall: Ich bin überzeugt, dass Musik immer noch unsere größte Attraktion ist. Sie unmittelbar wirken zu lassen, ist ein starkes Mittel. Das geht zum Beispiel, wenn man das Publikum ganz nah an sich heranlässt und eine Konzertsituation schafft, in der die Menschen mitten im Klang sitzen können. Genau das werden wir im Kurhaus anbieten, für Schulklassen vormittags und als After Work-Format am frühen Abend. Wir nehmen die Stühle raus aus dem Parkett und verteilen Sitzsäcke mitten im Orchester. Unsere Besucher*innen spüren so die Vibrationen der Musik in ihrem Körper. Wir spielen die 1. Sinfonie von Johannes Brahms in diesem besonderen Konzert, eine inspirierende Reise von der Dunkelheit zum Licht. Eine wunderbare Botschaft in der heutigen konfliktgeprägten Welt. Und wir wollen auch kleinere Orchestergruppen gründen für Konzerte an ungewöhnlichen Orten im Theater und in der Stadt.

Jonas Finke: Generell finde ich wichtig, dass Kulturräume Orte der Gemeinschaft sein sollten, viel mehr noch als bisher. Orte, an denen man nicht Kunst und Kultur konsumiert, sondern hingeht, um sich zu treffen und auszutauschen. So wie wir es gerade hier im „Wohnzimmer“ machen. Die Kunst sollte ins Alltagsleben geholt werden.

Leo McFall: Dazu gehört auch, gemeinsam zu feiern. Für ein großes Konzertfest am Ende der Spielzeit öffnen wir alle Bühnen im Theater und bespielen sie unter dem Motto „Let’s dance“: Mit einem Konzertprogramm auf der Großen Bühne und dann weiter in den Foyers mit allen Sparten bis hin zu einem late night Konzert „Geteilte Pulte“: Hier werden Wiesbadener Bürger*innen mit Profis gemeinsam spielen. Ein Höhepunkt des Abends ist eine Uraufführung von einer jungen Komponistin, die uns als „Composer in residence“ über die ganze Spielzeit begleiten wird: Dariya Maminova. Sie kommt von der Neuen Musik, aber auch vom Pop und von transkulturellen Experimenten. Das wird spannend, wie sie ihre Musik mit Wiesbaden verbinden wird.

Esma Deliter und Hendrik Schücke, fünfzehn und siebzehn Jahre alt, kommen dazu. Esma geht auf die Werner-vonSiemens-Schule und spielt schon seit langem im Theaterclub, gerade probt sie für das Stück „Orlando“. Hendrik Schücke geht auf die Carl-von-Ossietzky-Schule und sitzt im Jugendparlament der Stadt Wiesbaden.

Hendrik, was sind für dich die drängendsten Themen hier in der Stadt?

Hendrik Schücke: Ich finde am problematischsten die aktuelle Haushaltskürzung im Sozialetat. Das betrifft viele Jugendzentren und Organisationen, viele Stellen bei freien Trägern müssen gestrichen werden, die für Integration von sozial schwächeren Familien zuständig sind. Die wiederum könnten, wenn sie gut integriert wären durch diese Gelder, ins Theater gehen. Also betrifft das indirekt auch das Theater.

Und du Esma, was siehst du als das größte Problem aus der Perspektive einer 15-Jährigen?

Esma Deliter: Mich nerven gerade vor allem die Busse, die Verspätung haben. Viele Schüler*innen kommen deshalb zu spät. Den Eintrag im Klassenbuch bekommt man, obwohl es nicht das eigene Verschulden ist. Aber man kann man nichts daran ändern, egal wie früh man losfährt.

Esma, was begeistert dich am Theater?

Esma Deliter: Vor allem gefällt mir, dass ich jemand werden kann, der ich nicht wirklich bin. Und mir gefällt auch der Blick hinter die Bühne. Ich spüre die Aufregung, die herrscht, kurz bevor alle auf die Bühne gehen. Und ich genieße sie gleichzeitig. Das finde ich faszinierend. Gerade proben wir im Partizipationsprojekt vom JUST das Stück „Orlando”, das im Juni 2024 Premiere hat. Das ist auch wieder total spannend!

Wann warst du zum ersten Mal im Theater?

Esma Deliter: Ich war mit der Schule im Weihnachtsmärchen.

Würdest du dem zustimmen, dass sich junge Menschen heute nicht mehr fürs Theater interessieren?

Esma Deliter: Es stimmt, dass viele Jugendliche heute nicht mehr ins Theater gehen. Ich glaube, es liegt daran, dass sie durch die Digitalisierung, durch Apps wie TikTok, vom Alltag abgelenkt sind. Realität interessiert sie nicht so. Außerdem denken viele, Theater sei langweilig. Ich hatte damals im Weihnachtsmärchen aber echt viel Spaß, und seitdem liebe ich das Theater.

Hendrik Schücke: Ich würde nicht behaupten, dass Theater out ist. Ganz im Gegenteil, ich selber gehe mit Freund*innen oft ins Theater, auch ins JUST. Da spielen Freund*innen von mir mit. Es ist einfach etwas anderes als zu Hause zu chillen und eine Serie zu gucken. Theater holt einen mit Energie aus dem Schulalltag heraus. Man müsste das Angebot nur attraktiver gestalten, oder besser: es attraktiver kommunizieren. Nicht als schulische Pflichtveranstaltung. Sondern über Insta oder TikTok, wo die meisten unterwegs sind.

Was machen Theater denn falsch in der Kommunikation?

Hendrik Schücke: Also, die vielen Flyer adressieren sich vor allem an ältere Leute, die wohlhabende Oberschicht. Es müsste einfach breiter kommuniziert werden, simpler gestaltet. Wie in einem Instagram-Reel: Eine Person stellt sich vorne hin, erzählt etwas, kombiniert mit einem coolen Ausschnitt aus einer Inszenierung. Gerade die Musicals sind so gut. Und es ist live, so: hey, das passiert tatsächlich jetzt gerade. Und vielleicht sollten die Theater direkt an Schulen vorbeikommen und Werbung machen. Gerade jetzt können Sie das doch gut machen, so nach dem Motto: Wir sind neu und denken viel darüber nach, wie wir euch erreichen können. Wir brauchen eure Tipps.

Dorothea Hartmann: Genau deshalb reden wir mit euch! Genau dieses Feedback von euch ist wichtig: Da bleiben wir dran!

Hendrik Schücke: Es geht auch um den Inhalt. Viele Stücke sind auch einfach für Bildungsbürger*innen verfasst. Für Jugendliche müssen es irgendwie auch coole Inhalte sein. Themen, die Jugendliche interessieren.

Was wären solche Themen?

Hendrik Schücke: Zum Beispiel psychische Erkrankungen. Vor allem als Folge der Pandemie. Das bekomme ich von vielen Freund*innen mit. Was macht man da, und wie kann man präventiv dagegen vorgehen? So etwas könnte man in Stücken zeigen. Und Themen, über die Jugendbuchautor*innen schreiben: Trauer, soziale Unterschiede, Liebessorgen. Wer kennt es nicht? Man hat einen Crush, traut sich aber nicht, die Person anzusprechen.

Esma, was wären für dich Themen, die du gerne auf der Bühne verhandelt sehen würdest?

Esma Deliter: Ein Thema, das mich sehr interessiert, ist die Frage der Identität. In „Orlando” etwa geht es darum, dass ein junger Mann plötzlich eine Frau wird und sich ganz anders identifiziert. Wie man sich wahrnimmt, sich selbst definiert, das sollte im Theater verhandelt werden, denn es wird darüber zu selten gesprochen.

Deine eigenen Eltern sind vor rund dreißig Jahren aus der Türkei eingewandert. Was würden sie im Theater gerne sehen?

Esma Deliter: Meine Mutter hat früher selbst Theater gespielt und ist auch öfter mit mir ins Theater gekommen. Mein Vater dagegen spricht nicht perfekt Deutsch. Daher versteht er auch oft die Stücke nicht so gut. Wo er früher gewohnt hat, waren die Menschen sehr arm, dort kannten sie so etwas wie Theater gar nicht. Was mein Vater sich aber wünschen würde, wären zum Beispiel Märchen oder Geschichten aus der Türkei. Oder dass auch mal andere Sprachen mit einbezogen werden. Ich glaube, das wäre wirklich cool.

Beate Heine: Das sind Fragen, mit denen wir uns in unserem Spielprogramm beschäftigen werden, wer erzählt aus welcher Perspektive und kulturellen Prägung welche Geschichten? Das Theater zu öffnen, heißt eben auch, viele diverse Geschichten zu erzählen. So wird das Künstler*innen-Kollektiv Rimini Protokoll eine international kooperierende Produktion realisieren, unter anderem mit dem Theaterfestival im rumänischen Sibiu, die die universelle Frage stellt, was eine Generation von der nächsten erwartet. Wir nennen es „Futur4“ und beziehen uns auf ein konkretes, relativ unbeachtetes historisches Ereignis: In der Zeit zwischen 1968 und 1989 wurden von der BRD für eine Milliarde D-Mark deutschstämmige Menschen aus Rumänien herausgekauft und eben auch ‚weg von ihrer eigenen Geschichte’. In der Inszenierung wird sich eine junge Frau mit der Geschichte ihrer Eltern und Großeltern auseinandersetzen. Und damit über ihre eigene Zukunft nachdenken. Aber Esma, kommt denn dein Vater ins Theater, wenn du auf der Bühne stehst?

Esma Deliter: Ja. Aber er kommt nur, um mich zu unterstützen, um mir zu sagen, ja du schaffst das. Das meiste versteht er nicht. Ich glaube wirklich, dass die Sprache da eine große Rolle spielt.

Hendrik Schücke: Ich gebe dir völlig recht. Vielleicht ist auch die altertümliche, lyrische Sprache vieler Schauspiel-Klassiker ein grundsätzliches Problem: Sie spricht eine akademische Oberschicht an, Menschen, die das studiert haben. Könnte man das nicht in heutige, normale Sprache übersetzen?

Beate Heine: Im großen Haus wird der Regisseur Stefan Pucher „Woyzeck“ von Georg Büchner inszenieren. Eine Geschichte über sozial prekäre Verhältnisse und eine daraus resultierende existenzielle Verzweiflung über das Leben. Themen, die uns auch heute berühren und beschäftigen. Zudem ist „Woyzeck“ Schulstoff. Der Regisseur ist zu Hause in der Popkultur und hat in seiner künstlerisch-ästhetischen Umsetzung ein junges Publikum im Blick. Und das wird hoffentlich einen Zugang zu der besonderen Sprache Georg Büchners schaffen, an dem sicher auch eine ältere Generation Spaß haben wird.

Hendrik Schücke: Ich meine auch nicht, dass man da total cringe spricht oder irgendwelche Anglizismen verwendet, sondern einfach normale Sprache, so wie wir miteinander sprechen.

Dorothea Hartmann: Das Theater hat ja viele unterschiedliche Kunstformen. Es gibt auch darstellende Kunst ohne Sprache: Tanz und Musik. Der Körper erzählt die Geschichte. Oder die Musik: Konzerte genießen, die komplett ohne Worte auskommen.

Esma Deliter: Dafür müsste man zunächst einmal mitbekommen, dass Kunst ohne Sprachhürde am Theater angeboten wird. Eine coole Idee, um meinen Vater ins Theater zu locken, wäre, seine traditionelle Musik zu spielen und danach mit anderen Leuten darüber zu sprechen. Das ist ja etwas, was bei Netflix zu Hause eben nicht passiert, da bleibt man am Ende immer alleine.

Dorothea Hartmann: Wir planen genau solch eine transkulturelle Musik-Band ab Herbst. Wir werden mit einem Open Call einladen, einfach mit dem Musikinstrument hier vorbei zu kommen und ganz locker zusammen zu spielen. Dabei sind vor allem die Instrumente und die Musik gefragt, die es im Theater noch nicht gibt. Vielleicht wäre das auch etwas für deinen Vater. Und ich bin auch sehr gespannt auf eine JUST-Produktion, die sich mit der griechischen Community in Wiesbaden beschäftigt: eine Stadtrecherche der Regisseurin Antigone Akgün. Sicher wird das auch ein vielsprachiges Projekt.

Hendrick Schücke: Ich hätte da noch eine Idee. Im Kino liegen ja manchmal so Notizbücher
aus, in denen man sich einen Film wünschen kann, der wird dann als Wunschfilm des Monats gezeigt. Vielleicht könnte man sich auch im Theater einfach mal Themen oder Stücke wünschen, die gezeigt werden?

Hendrik verabschiedet sich und Vero Moos, die seit vierzig Jahren den Malsaal im Staatstheater leitet, kommt dazu. Sie hat ein viel beachtetes Buch geschrieben: „Nachbarn“ sind zwei dokumentarische Briefsammlungen von zwei Familien, die in der Bahnhofstraße in Wiesbaden direkt nebeneinander lebten. Die einen waren Jüd*innen, die anderen bekennende Hitler-Anhänger*innen.

Sie sind Verfasserin und Herausgeberin von „Nachbarn. Bahnhofstraße 44/46“, ein Buch, das sich speziell mit deutschem Erbe – in Wiesbaden – auseinandersetzt. Sie haben den Briefwechsel Ihrer eigenen Familie ausgegraben und ihn gegenübergestellt mit dem Briefwechsel einer jüdischen Familie während der Nazizeit, die direkte Nachbarinnen waren. Wie ist es zu diesem Buch gekommen?

Vero Moos: Mir geht es darum, gegen das Vergessen zu arbeiten. Die Briefe der jüdischen Nachbar*innen fand ich im Hauptstaatsarchiv, nachdem ich über die Stolpersteine vor dem Haus stolperte. Die Briefe meiner eigenen Familie fand ich wohlsortiert in mehreren Ordnern im Archiv meines Vaters. Das war ein unfassbares Glück: dass ein so umfassender Briefwechsel erhalten ist, und zwar nahezu lückenlos, von Familien, die direkt nebeneinander gelebt haben. Diese Nachbar*innen repräsentieren Täter und Opfer und vermutlich kannten sie sich. Ich kann immer noch nicht darüber reden, ohne Gänsehaut zu bekommen. Natürlich trifft es mich, dass meine eigene Familie nationalsozialistisch war. Und genau das ist aber eine Aufgabe von Theater in unserer Gesellschaft, gerade jetzt zu verhindern, dass dies wieder passiert.

Ich bin heute in der Bahnhofstraße an den beiden wunderschönen alten Häusern vorbeigegangen, in denen die Familien lebten: Die eine war eine jüdische Familie, deren Sohn emigrieren musste und in der beide Eltern deportiert wurden.

Vero Moos: Sie sind ermordet worden von Leuten wie meinen eigenen Großeltern. Die beiden Familien hatten einen vergleichbaren Alltag, stammten nicht aus einer vergleichbaren sozialen Schicht. Die jüdischen Nachbar*innen waren Hausbesitzer*innen, während meine Großeltern als Mieter*innen im Nachbarhaus lebten. Man bekommt einen Blick in beide Familiengeschichten. Und so nah nebeneinander mussten sie das Leben aus extrem unterschiedlichen Perspektiven erleben, als Verfolgte und Verfolger, als Täter und Opfer. Und daneben taucht ein weiteres Motiv auf: Alle hatten ständig Sehnsucht – die Geflüchteten nach ihren Eltern, die Eltern nach Ihren Kindern, der Vater im Krieg nach seinen Kindern. Insofern waren die Sehnsüchte nicht weit voneinander entfernt. Was nichts daran ändert, dass die einen Schuld auf sich geladen haben.

Was kann Theater leisten, um diese auch schmerzlichen Widersprüche abzubilden?

Vero Moos: Theater erreicht im günstigsten Falle unglaublich viele Leute und im allergünstigsten jene, die nicht nur aus dem Bildungsbürgertum kommen Es gibt so viele Möglichkeiten, um Theater für unterschiedliche Gesellschaftsgruppen attraktiv zu machen. Ich kann mir vorstellen, dass das auch über ein verbindendes Thema funktionieren kann. Zum Beispiel mit dem Thema „Sehnsucht”. Jeder Mensch hat doch eine Art von Sehnsucht, jedem fehlt etwas, das kann eine universelle Brücke sein.

Beate Heine: Im Schauspiel werden wir uns dem Thema Sehnsucht und historisches Vermächtnis über den Roman von Thomas Hettche nähern. In „Herzfaden“ erzählt der Autor von der Gründung der Augsburger Puppenkiste – von einem Kriegsheimkehrer aus der Not heraus gegründet, von der Tochter fortgeführt – und setzt sich darüber mit der Geschichte der Bundesrepublik Deutschland und unserer historischen Verantwortung auseinander.

Esma Deliter: Ich finde auch, Sehnsucht ist ein Thema, das jeden betrifft. Das kann Menschen verbinden und helfen, unterschiedliche Altersgruppen ins Theater zu bringen.

In diesem Moment kommt Abdullah Zadran herein, der zuvor schon ein fantastisches Catering geliefert hat, und setzt sich dazu.

Sie leiten das Restaurant und Catering „Fasan“ in Wiesbaden und stammen ursprünglich aus Afghanistan. Gehen Sie manchmal ins Theater?

Abdullah Zadran: Ja, natürlich. Klar. Aber ehrlicherweise muss ich zugeben, in letzter Zeit eher nicht, weil ich einfach keine Zeit hatte.

Was ist Ihre letzte Erinnerung daran?

Abdullah Zadran: Ich erinnere mich besonders an die Kunst-Biennale 2018. Das war wirklich spektakulär und wurde auch über Wiesbaden hinweg wahrgenommen und diskutiert. Ich war sehr fasziniert von den Performances und Installationen. Seitdem bin ich ein begeisterter Kunst- und Kulturanhänger. Und mir gefällt es, wenn das Theater rauskommt zu den Menschen und sie vor Ort abholt. Und Theater lebt durch die Kontroverse, ganz klar. Die Diskussion um die Erdoğan-Statue hat viele andere Installationen und Performances überschattet, die atemberaubend und fast größenwahnsinnig waren. Etwa die Mauer an der Reisinger-Anlage, oder die Non-Stop-Performance in der City-Passage. Eine riesige Autobrücke aus Holz wurde aufgebaut, um die PKW für das Autokino ins Staatstheater zu fahren. Nicht zu vergessen das „Migrantenstadl“. Die ganze Innenstadt hat vibriert. Und jeder hatte auf einmal das Bedürfnis, über Theater zu sprechen.

Sie, Herr Zadran, sind in Wiesbaden selbst Stadtgespräch: Ihre Mutter ist vor vielen Jahren allein mit ihren drei Kindern – Ihnen, Ihrer Schwester und Ihrem Bruder aus Afghanistan hergekommen und hat ein sehr erfolgreiches Restaurant aufgebaut, das „Fasan“. Leider ist Ihre Mutter bereits verstorben, Sie und Ihr Bruder führen es weiter und kommen mit vielen Bevölkerungsgruppen in Kontakt. Wie kann ein Theater erreichen, zum Stadtgespräch zu werden, als offen wahrgenommen zu werden?

Abdullah Zadran: Durch solche Gespräche, die wir gerade führen. Hier im „Wohnzimmer“: Das ist ein Ort meiner Jugend. Hier, wo wir gerade sitzen, habe ich ständig die Schule geschwänzt. Ich kann mich an Tage erinnern, da war dieser Ort komplett voll mit Jugendlichen, über drei Stockwerke, zwei Discos und ein Café. Es war ein Ort für Populärkultur. Theater, der Ort für Hochkultur, sollte diese Orte aufsuchen und zum Gespräch einladen, so wie jetzt gerade. Wie bekommt man auch Minderheiten, die mit Theater und der europäischen Hochkultur wenig zu tun haben, ins Theater? Das ist keine Sache, die man von heute auf morgen lernt.

Die Schülerin Esma hat vorhin vorgeschlagen, dabei über die sprachliche Ebene zu gehen. Würde ein Stück auf Dari neues Publikum anziehen?

Abdullah Zadran: Ja, auf jeden Fall. In Afghanistan und Iran gibt es eine große Theaterkultur. Darüber kann man ins Gespräch kommen. Und: sich kennenlernen, durch Abende und Feste. Wir planen gerade eine konkrete Zusammenarbeit mit Kulturschaffenden und Bildungseinrichtungen: ein Kontakt zu all jenen Communities, die sonst eher ein Eigenleben führen und unter sich bleiben. Ich denke, man kann gegen Spaltung und Aufsplitterung arbeiten, indem man in diese Communities hineingeht und die Menschen direkt kontaktiert, so wie es meine Mutter immer getan hat. Bei uns waren immer Menschen aus vielen Kulturen zu Gast und sind durch ihr Essen ins Gespräch gekommen. Im Theater sollte gemeinsam gegessen werden!

Wie sind Sie denn ganz konkret zum ersten Mal ins Theater gekommen?

Abdullah Zadran: Das war durch die Schule, in der 3. Klasse. Wir haben das Weihnachtsmärchen „Frau Holle“ gesehen.

Hat es Ihnen gefallen damals?

Abdullah Zadran: Ich habe es nicht verstanden, denn ich kannte das Märchen nicht. Ich wusste nicht, um was es geht.

Aber muss man das überhaupt? Warum sollten Migrant*innen an ein Erbe, das nicht ihres ist, herangeführt werden?

Abdullah Zadran: Für mich war es wichtig, diese Kultur kennenzulernen, um zu verstehen, wie Menschen hier ticken und dass das historisch gewachsen ist. Warum ist hier die Gleichstellung von Mann und Frau so wichtig? Das ist ja nicht von heute auf morgen gekommen, sondern historisch verankert. Verständnis und Vermittlung sind wichtig, wenn man in dieser Gesellschaft ankommen möchte.

Thilo von Debschitz von der Design Agentur Q setzt sich zur Runde auf dem Sofa dazu. Abdullah Zadran muss wieder zur Arbeit zurück und verlässt die Runde.

Thilo von Debschitz, auch Ihr Name ist mit der Geschichte eines jüdischen Menschen auf der Flucht verbunden: Ihre Agentur hat mit rotarischer Unterstützung das literarische Erbe des Dichters Curt Bloch auf der Webseite curt-bloch.com zugänglich gemacht. Wie kam es dazu?

Thilo von Debschitz: Curt Bloch war ein Dortmunder Jude, der 1933 am Beginn seiner juristischen Karriere stand. Dann kamen die Nazis an die Macht und jüdischen Bürger*innen war die Ausübung von Rechtsberufen verboten. Also floh er in die Niederlande, tauchte dann unter. Von 1942 bis zum Ende des Krieges lebte er im Versteck. Dort schrieb und veröffentlichte er fast fünfhundert satirische Gedichte, die er in kleinen Heften veröffentlichte. Für die Verbreitung von Spottgedichten auf Adolf Hitler sind zu dieser Zeit Menschen umgebracht worden. Insgesamt sind sechsundneunzig kleine Hefte bis heute erhalten. Curt Bloch überlebte und ist nach New York gegangen.

Wie kamen Sie in Kontakt mit den Schriften?

Thilo von Debschitz: Bis vor wenigen Monaten lagen bei der Familie Bloch in New York die Hefte in einer Kiste. Simone Bloch, seine Tochter, kontaktierte mich auf Facebook. Ich hatte mit meiner Schwester ein Buch über Fritz Kahn gemacht, einen Autor der Weimarer Republik, dessen Werke der nationalsozialistischen Kulturzensur zum Opfer gefallen sind. Auf dieses Buch ist Simone Bloch gestoßen, und sie hoffte, dass ich ihr helfe, den kreativen Nachlass ihres Vaters und Ehemannes zurück nach Europa zu bringen. Als ich die Hefte gesehen habe, haben sie mich erst einmal als Gestalter angesprochen, weil sie ganz fantastische, collagierte Titelseiten haben. Curt Bloch hat aus Zeitschriften, die er von seinen Helfern erhielt, Dinge und Buchstaben ausgeschnitten und zu Collagen geklebt.

Was sind das für Gedichte?

Thilo von Debschitz: Die Beschäftigung damit ist eine Achterbahnfahrt der Gefühle. Zum einen kann man den Spott und die Kritik an den Faschisten zeithistorisch unmittelbar nachvollziehen: Was passierte da? Zum anderen blickt man in die Seele eines Menschen, der in Lebensgefahr schwebt, der sich Sorgen um seine engsten Angehörigen macht. Während er bewegende Gedichte an seine geliebte Schwester und an seine Mutter schrieb, waren diese bereits im KZ Sobibór ermordet worden. Wenn man seine Gedichte liest, diese Sehnsucht nach Frieden, dann sind das Gefühle, die wir jetzt auch erleben. Und sie reimen sich in einer ganz tollen Lyrik, man denkt an Erich Kästner, an Kurt Tucholsky. In der leichten Form des Reimes hat man niederschwelligen Zugang zu schwerem Inhalt. Es ist ein Erbe, das unbedingt wert ist, bewahrt zu werden.

Was würden Sie jungen Menschen entgegnen, die das in Zweifel ziehen und sagen: Müssen wir heute wirklich noch alte Gedichte lesen?

Thilo von Debschitz: Die Gedichte sind kurz, haben einen Rhythmus, der an Poetry Slam erinnert. Oder sogar an Rap, man könnte unter einige direkt einen Musikbeat legen. Und sie sind nicht alle nur schrecklich, sondern manche auch schreiend komisch. Wir gehen mit den Gedichten in Schulen und merken, wie Schüler*innen andocken.

Jutta Leimbert, seit 2008 Inhaberin der Buchhandlung Vaternahm, wenige Hundert Meter vom Theater entfernt kommt herein und setzt sich dazu. Sie kennt das Staatstheater Wiesbaden in- und auswendig, da sie schon seit Jahrzehnten ein Premieren-Abonnement hat. Wenig später nehmen auch die Lehrerin Maja Stunz und ihr ehemaliger Schüler Leo Scholz Platz. Er ist neunzehn Jahre alt und BWL-Student im 2. Semester.

Frau Leimbert, schön, dass Sie zu uns stoßen. Können Sie sich noch daran erinnern, wann Sie das erste Mal im Theater waren?

Jutta Leimbert: Das kann ich nicht so genau sagen. Ich weiß nur, dass ich früher zweimal in der Woche mit Einkaufstüten von der Arbeit direkt ins Theater gegangen bin. Das war in den 1970er Jahren, als das Schauspiel während der Sanierung des Theaters im Caligari untergebracht war. Gefühlt habe ich schon seit immer ein Premieren-Abo, ich will alles möglichst sofort sehen. Leute, die zu mir in den Buchladen kommen, fragen mich: Und wie war es? Sollen wir da reingehen? Ich bin fast so etwas wie eine Sprecherin des Theaters.

Frau Stunz, eine Sprecherin des Theaters sind Sie auch: Sie gehen häufig mit Ihren Schüler*innen in Vorstellungen.

Maja Stunz: Ja, Ich habe mir vorgenommen, mit jeder Klasse und jedem Kurs in die Oper zu gehen. Wir bereiten das in der Schule vor. Und dann gehen wir auch fünf Stunden in eine Wagner-Oper wie „Tristan und Isolde“.

Warum glauben Sie, ist es überhaupt wichtig, dass junge Menschen ins Theater gehen?

Maja Stunz: Ein Schüler sagte mal zu mir, er habe genug Computerspiele während der Corona-Zeit gespielt, er brauche jetzt etwas anderes. Und Theater läuft eben nicht über einen Bildschirm. Man ist zusammen, es ist ein Gemeinschaftserlebnis. Das kann man nicht ersetzen. Das verschwindet nicht.

Die wichtigsten Argumente für einen Theaterbesuch sind also die „Liveness“ und das Gemeinschaftserlebnis, gilt das auch für dich, Leo?

Leo Scholz: Ja, auch die Gesellschaft von anderen Menschen um mich herum ist ein wichtiger Punkt. Da kann man in den Pausen fachsimpeln, das macht Spaß, vor allem, wenn man Stücke zwei Mal sieht.

Ernsthaft, du siehst manchmal Stücke zweimal? Wie oft gehst du ins Theater?

Leo Scholz: Ich habe das Gefühl, beim zweiten Mal bekomme ich einfach ein tieferes Verständnis vom Stück. Ich kann sehen: Wurde da was am Bühnenbild verändert, wie sind die Sänger *innen heute drauf? Im letzten Semester war ich vier Mal in der Oper. Aber Freunde sagen schon manchmal: Was machst du in der Oper? Du bist doch viel zu jung dafür. Ich sage dann immer: Geh doch mal hin, dann weißt du, was da überhaupt abgeht.

Thilo von Debschitz: Auch mit Tanz kann man junge Menschen sehr gut erreichen. Ich habe im Freundeskreis meiner Tochter schon oft gesagt: So, jetzt eine Mutprobe. Wer geht mit zum Tanz? Da öffnet sich für sie ein neuer Kosmos. Sie waren teilweise noch nie im Theater, und dann erleben sie die Körperlichkeit des Tanzes, das ist faszinierend für sie.

Maja Stunz: Wobei ich es schade finde, dass es in Wiesbaden kaum möglich ist, klassisches Ballett zu sehen.

Leo Scholz: Ja, das geht mir auch so, und da bin ich nicht der einzige: Wenn ich mit Freund*innen ins Ballett oder auch in die Oper gehe, sind wir uns oft einig, dass uns die Umsetzung des Stoffs zu modern ist. Das war auch schon in meiner Schulzeit so. Nach meiner Erfahrung wünschen sich auch Jugendliche und junge Erwachsene manchmal klassischere Inszenierungen.

Es gibt viele Menschen, die das klassische Handlungsballett wiederhaben wollen. Dazu gab es in der Zeitung ganze Leser*innenbriefschlachten. Jutta Leimbert, der frühere Intendant Claus Leininger hat gesagt: Die Wiesbadener*innen sind „altgierig“ und nicht neugierig. Sehen Sie das auch so?

Jutta Leimbert: Da ist etwas dran. Es gibt Operetten, die man hier Tag und Nacht spielen könnte und sie wären immer ausverkauft. Wagner ist sensationell verkauft. Mozart wäre auch immer voll. Aber Neues oder Unbekanntes, da muss man erstmal die anderen fragen, wie es war.

Ich habe eine letzte Frage an Sie, die mir am Herzen liegt. Aus Ihrer Perspektive als langjährige Buchhändlerin: Sehen Sie das Digitale als Gefahr für die Weiterexistenz der Literatur, des Schriftlichen, kultureller Resonanzräume, wie sie durch Literatur und Theater vermittelt werden?

Jutta Leimbert: Literatur und Theater werden weiterbestehen. Da bin ich mir ganz sicher. Auch das Erzählen in Schriftform wird nie verloren gehen. Allein auf TikTok oder Instagram wird ja mittlerweile auch sehr viel über Bücher gesprochen. Für diese Werke haben wir jetzt in der Buchhandlung sogar ein eigenes Regal. Man muss sich ein wenig kümmern, damit Jugendliche einen Zugang dazu erhalten. Und dann bin ich auch nicht pessimistisch.

Sollten Musik und Kunst eine höhere Bedeutung in der Schule bekommen? Vielleicht sollten wir uns alle dafür einsetzen, dass Kultur insgesamt bildungspolitisch stärker verankert wird – auch in der Lehrer*innenausbildung, damit es nicht der Einzelinitiative von Lehrer*innen wie Maja Stunz überlassen wird.

Thilo von Debschitz: Unbedingt. Eine meiner Töchter war auf der Waldorfschule, dort erarbeitet jede Klasse zwei große Theaterstücke. In der Klasse wurde ein Orchester von allen gebildet. Diese Art von Kreativität muss einfach in die Schulen hinein. Wenn es so verankert wird in der Grundbildung, dass die Schüler*innen mit Kultur aufwachsen, wird das der ganzen Gesellschaft zu Gute kommen.

Maja Stunz: Richtig, das Theater lebt und kann seine Faszination entfalten. Wir müssen einfach die Kinder mitnehmen und hingehen. Anfangen, dranbleiben, hartnäckig sein.